Psicología y arte

"El arte no sólo es susceptible de ser comprendido, sino que su explicación es del todo necesaria para comprender la conducta humana. Los objetos de arte son la huella que deja la conducta humana."

Rudolph Arnhei

Todos, en algún momento de nuestras vidas hemos creado imaginado o inventado algo; o a la vez hemos apreciado una obra de arte, sea una pintura, escultura etc. Pero pocos nos hemos dado cuenta que existe una relación entre el arte y la psicología; relación tan mutua que inclusive llega ser terapéutica, cuyo fin es el tratamiento y la curación. El arte comunica, transmite ideas, pensamientos y a la vez da a conocer emociones y sentimientos.

Al manifestar estas características nos damos cuenta que engloba todo un proceso psíquico, por esta razón una obra artística involucra campos de fuerza lingüísticas, emotivos, cognitivos, conductuales, racionales, anímicos y engloba recuerdos. Generando una comunicación, un dialogo, una unificación y en ocasiones una identificación.

Algunos autores como Wollheim creen necesario distinguir entre el artista, la obra artística y el proceso creativo. Debemos, dice, distinguir entre la persona, la vida de la persona y el vivir tal vida: el producto, y el proceso que culmina en el producto. Este último aspecto es el decisivo par entender los otros dos. De la misma manera que no cualquier organismo vivo es una persona, cualquier obra aislada, por ejemplo una pintura, no es en sí misma una obra de Arte.[1]

La mente, ha llegado a desarrollar preceptos para entender su funcionamiento para que de alguna manera poco convencional se llegue a la problemática o al conflicto. Que mejor manera de entenderla que el arte, tanto para quien lo crea como para quien lo contempla; poniéndose de manifiesto un estudio de los estados conscientes y una interesante indagación de los fenómenos inconscientes.

Hay muchas personas que sin ser artistas realizan un trabajo pictórico “portador de significados” como quienes pintan por distraerse o algunos enfermos mentales que representan en cuadros sus alucinaciones o artesanos que pintan pasquines de propaganda. Pero todos esos productos pictóricos con significado, para ser considerados como “artísticos”, necesitarían tener otros requisitos adicionales. Una condición, para Nehamas, sería que la obra fuera el producto de un proceso que haya resultado en la creación de más de una obra, porque es improbable que el artista sólo produzca una obra en su vida. Por ello propone que necesitamos saber, por ejemplo, no sólo lo que un pintor produce realmente sino también qué pinturas podría producir, lo que se asemeja pero supera a la noción de “repertorio”.

Además,el pintar, practicado como un Arte, debe buscar, para este autor, dar y obtener un placer visual. Adicionalmente, Wollheim se inclina por exigir que la obra para que sea considerada como “artística” debe tener un significado psicológico: lo que una pintura significa, dice, “depende de la experiencia inducida en un espectador adecuadamente sensible e informado cuando mira una pintura con las intenciones del artista que le llevaron a hacerla. Si queremos comprender cuándo y cómo una pintura es un arte debemos considerarlo en la perspectiva del artista”. Esta última condición ha sido criticada por las corrientes post-modernistas.

Los especialistas en Artes plásticas y en la Literatura, estuvo en la base del Arte Moderno y justifica las aproximaciones psicológicas profundas a la comprensión del Arte, del proceso creativo y de los artistas. Por todo lo anterior, no es de extrañar que muchos autores han tenido reparos al adjetivar como artísticas las obras espontáneas de determinados pacientes mentales y a llamar “terapia por el Arte” a ciertos procedimientos empleados en su tratamiento. Así es frecuente que se haya preferido el término de “terapias expresivas” a estas técnicas psicoterapéuticas “no verbales”.

Omar Gatica      Oleo sobre Tela        140 x 170 cms

FOBIA SOCIAL

Creatividad y terapias

Las terapias expresivas se basaban en una teoria psicoanalitica, despues con otras terapias como las de orientación humanista, gestáltica. En esta  se modificaron en mayor o menor manera y tomaron como objetivo el crear una armonía entre el mundo interior del paciente y su conducta externa. La teoría de los instintos de Freud señala, como es sabido, que el aparato psíquico funciona según el denominado “principio del placer” que persigue la realización inmediata de los deseos, de acuerdo con el “proceso primario”, forma irracional de funcionamiento de la mente que se puede observar en los sueños.

Los obstáculos impuestos por la realidad obligarían al aparato psíquico a adecuar su modo de acción a las exigencias del mundo externo, sometiéndose al “principio de realidad”. La acción se caracteriza, según ese principio, por las normas de eficacia, juicio, elección y decisión. Freud, en su primera descripción de la personalidad, distinguió entre dos “instancias” (“consciente” e “inconsciente”) separadas por una zona intermedia llamada “preconsciente” sobre la que actúa la represión. La hipótesis de Freud es que existiría una cierta “flexibilidad de la represión” en el artista que le facilitaría la creatividad. En ese mismo sentido, Arieti propone que algunos mecanismos que favorecen la creatividad (desplazamiento, condensación, sublimación) pueden actuar porque en ciertos pacientes, cuando realizan una actividad artística, el preconsciente se hace “más permeable”. Kubie también señala la importancia del preconsciente. Los psicoanalistas, en definitiva, han considerado que los individuos muy creativos tienen una mayor facilidad de acceso al inconsciente y a funcionar de acuerdo con el proceso primario. Freud pensó que sería el proceso primario quien generaría las ideas novedosas, como en los sueños y luego las transferiría a veces al consciente en ráfagas o flashes de inspiración.

Autoterapia

El Arte de los enfermos mentales A principios de los años 20, el historiador de Arte y psiquiatra alemán H. Prinzhorn reunió, como es sabido, una colección de casi 5.000 pinturas, dibujos, manuscritos, objetos y collages, hechos por pacientes de hospitales psiquiátricos a través de toda Europa, creados todos entre 1890 y 1920. Estas obras, según él, habrían surgido de una necesidad urgente de los pacientes de “imponer un orden al caos y de una pulsión hacia la expresión”. Presentaban temas repetitivos: invenciones mecánicas, imágenes religiosas, fantasmas sexuales, dibujos con motivos obsesivos, bestias fantásticas, etc.

Ciertas obras fueron consideradas en la época como expresionistas y más tarde se tornaron en fuente de inspiración para numerosos artistas de vanguardia, tales como J. Dubuffet, M. Ernst, y los surrealistas. Dubuffet “descubrió” el arte “primitivo” (de las barracas de las ferias y de los niños) y afirmó que la producción de los artistas consagrados no era más que una degradación del arte brut. Ciertos artistas vanguardistas han buscaron su inspiración en las obras de enfermos mentales y han llegado a considerar el arte como una reactivación del delirio. A lo largo de los años 30, la revista Minotauro de Skira publicó numerosos trabajos sobre este tema. En 1946, tuvo lugar una exposición en Saint-Anne siguiendo la iniciativa de algunos psiquiatras. Con frecuencia se ha considerado que la libertad de creación de los artistas plásticos provenía de una patología psiquiátrica. El nazi Goebbels, por ejemplo, llamó “Arte degenerado” a la exposición que organizó en 1937 en Munich. S. Freud manifestó poco interés sobre este tema y se mostró más bien reservado sobre las aproximaciones al respecto de los surrealistas, como lo expresó después de las visitas que le hicieron André Breton y Salvador Dalí.

Carmen Aldunate   Oleo sobre madera   130 x 175 cms

ESQUIZOFRENIA

Oscar Pfister, dice que “un pintor puede por ejemplo ser cubista sin que se sospeche que tiene una enfermedad mental”.

Finalmente, ciertos artistas (Günter Brus, Otto Muehl, Hermann Nitsch, Rudolf Schwarzkogler, etc.), inspirándose en estas nociones, han utilizado esto para su beneficio, su propio cuerpo como instrumento de creación o de expresión de pulsiones “prohibidas”: sadismo, masoquismo, necrofilia, coprofilia, zoofilia, etc.

Howard Gardner

¿Qué tal si hablamos de un personaje actual? Howard Gardner, un psicólogo estadounidense y profesor universitario en la Universidad Harvard.

Expondremos un poco de su biografía, Howard Gardner, nació en Scranton, Pensilvania en 1943, poco después que su familia emigrase de Alemania a Estados Unidos, quienes huyeron del régimen nazi. Es conocido en el ambiente de la educación por su teoría de las inteligencias múltiples, basada en que cada persona, tiene, por lo menos, ocho inteligencias o habilidades cognoscitivas.

Ha estudiado los procesos humanos creativos, en particular tal como se manifiestan en las artes. Hay que mencionar que ha realizado este estudio desde la perspectiva de la psicología cognitiva.

Según el filósofo Nelson Goodman, la categoría de un garabato depende por entero de la interpretación que se le dé. Si el garabato representa algo,- como el registro mensual de la cotización de ciertas acciones en el mercado bursátil-, entonces funciona como un símbolo. Si forma parte de un dibujo- como el perfil de una cadena montañosa en un grabado de Hokusai-, entonces funciona como símbolo artístico. “Ciertas obras de arte pueden reflejar, literal o metafóricamente, importantes formas, sentimientos, afinidades y contrastes de la trama de la vida […]”

Menciona, entonces, que existen versiones del mundo, que podamos considerar justas o correctas; tales experiencias de nuestra vida parecen captar nuestra atención, por ejemplo, la última cena de Leonardo, es considerado como una obra justa. Leonardo pintó a cada uno de lo discípulos con rasgos de la personalidad claros y expresiones faciales definidas.

Otro ejemplo es Cézanne[1]. “El artista ha producido una muestra justa del mundo visual, ha creado una experiencia que otros reconocerán como una versión auténtica de la realidad […]”

El hemisferio izquierdo del cerebro humano es relativamente más eficaz que el derecho para operar con sistemas de símbolos que tienen elementos diferenciados que se pueden combinar según principios sintácticos, mientras que el hemisferio derecho es más apto para tratar sistemas no notacionales densos y plenos, aquellos en los que importan las gradaciones sutiles y en los que intento de descomponer la obra en sus elementos componentes puede conducir a errores.

                                         Panoramio -  La imaginación abstracta de un infante

“Para usar el léxico propio de la psicología, conceptos como <<notacionalidad>> y <<expresividad>> resultan ser “psicológicamente reales[…]”.

Para Gardner, los años preescolares se suelen describir como la edad de oro de la creatividad, como la época en que todo niño irradia habilidad artística. –Menciona, también- “Hay veces en las que tratamos de comprender el desarrollo de la creatividad, preguntándonos por qué algunas personas finalmente emergen como artistas mientras la amplia mayoría no lo consigue: Fuerza corruptora […].”

Gardner analiza que la mayoría de los infantes tienen una gran creatividad al crear complejas construcciones con bloques de madera, otros crearan imágenes de animales o personas con plastilina, incluso podrán retratar imágenes en dibujos o pintura. Así como son capaces de desarrollar de tal manera su creatividad – dice- son capaces de tener un lenguaje poético, describiendo al mundo que los rodea de una manera fantástica.

Aún así, al crecer el niño se encuentra con racionalidades por parte de sus padres, la escuela, profesores y la otra mitad de su cerebro.

[FUENTES: 
[1] escritor y editor estadounidense, especializado en ciencia-ficción. Es el autor de Mimic, adaptada al cine en 1997.

[2] Paul Cézanne (19/01/ 1839-22 /10/1906) Pintor francés postimpresionista, considerado el padre del arte moderno.

 http://www.aen.es/web/docs/Cuaderno7.1.pdf

imagenes:  http://www.mav.cl/arte_psicologia/index.htm

http://www.rebecacohen.com.ar/psicologia-arte.html
http://www.lookfordiagnosis.com/images.php?term=Imaginaci%C3%B3n&lang=2&from3=56

IINTEGRANTES: 

Karen Torre 

Laura Lopez 

Willebaldo Olivares

Ciro Gomez de la Cruz 

Jesus toxqui Minutti